“Pasión por el Arte. Colección Granados” es una oportunidad de de disfrutar de obras de grandes creadores como Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo, José de Ribera, Pedro de Mena, Francisco Salcillo, Lorenzo di Credi, Juan Martínez Montañés, Juan Carreño de Miranda, Lucas Jordán, Claudio Coello, Francisco Pacheco, Alonso de Mena, Bartolomé Román, Francisco de Herrera “El viejo”, Juan de Arellano, Bartolomé Pérez, Juan Fernández el Labrador, Juan de Espinosa y Mateo Cerezo, entre otras, que conforman una muestra del mejor arte intemporal

Algunas destacadas piezas no han sido nunca expuestas y ahora podrán verse en primicia en Cáceres, tales como San Onofre, de José de Ribera; la Santa Cena, de Martínez Montañés; Cristo muerto con ángeles, de Giovanni Battista Langetti y Bodegón, de Juan de Espinosa

Como continuación de la trayectoria museística de la Fundación Mercedes Calles y Carlos Ballestero se presenta en Cáceres la muestra Pasión por el Arte. Colección Granados. Es una selección rica y representativa de arte, del cuattrocento hasta el siglo XVIII, que forma parte de una amplia e importantísima colección reunida por Don Miguel Granados Pérez, que ha hecho del coleccionismo una forma de vida, con el fin último de rescatar, restaurar, conservar y poner en valor para el futuro piezas de un enorme valor artístico que sobreviven al tiempo.

Tendremos ocasión de disfrutar una recopilación de pintura y escultura atesorada con la pasión propia de un experto y entusiasta de las artes plásticas. La formación como arquitecto de Don Miguel, le confiere además la capacidad para construir, de forma planificada, metódica y armoniosa, el edificio estructurado de su colección, cuyas claves desea poner de manifiesto precisamente en la exposición seleccionada específicamente para esta ocasión.

La muestra se organiza en cuatro capítulos temáticos que al paso seducen al espectador inmerso en un recorrido evocador de arte e historia, en perfecta armonía con el espacio expositivo, la Casa Palacio de los Becerra, edificio del siglo XV situado en el centro de la ciudad medieval de Cáceres. El primer capítulo dará a conocer las Grandes Obras de la Colección, donde podremos ver piezas de excepcional calidad. El siguiente capítulo lo ocupará un reflejo de Semblantes de los Austrias, que nos mostrará los rostros de la dinastía española de finales del siglo XVII. El tercer espacio tiene como argumento la fe en el Siglo de Oro, donde la Contrarreforma evoca una profunda y magnificada religiosidad inmersa en esta etapa de auge cultural español. El cuarto y último capítulo, el Bodegón, recoge pinturas de temas florales, ornamentales y elementos cotidianos representativos de esta temática en el siglo XVII.

Hilario Bravo nos invita a viajar en su última exposición hasta la mitológica Icaria. Esta isla mediterránea, que toma su nombre de Ícaro, hijo de Dédalo, fue cuna de Tepsis, padre de la tragedia griega, hecho que la conecta necesariamente con Dionisos, dios del teatro, pero también de la desinhibición del vino, del placer y del impulso. Así, Icariatrata de arrancarnos por un momento de la –no siempre amable— realidad, a través de una seductora propuesta estética.

Icaria constituye el escenario de una completa bacanal presidida por Baco/Dionisos, en la que no faltan ménades, músicos, bacantes, sátiros concentrados en buscar a su presa amante, uvas con las que confeccionar el líquido elemento –vino, cuál si no— y copas cargadas de conceptos donde servirlo. En el paraíso terrenal confeccionado por el artista, encontramos una fuerza desgarradora que atrae al espectador hacia el placer de lo sensual y la fuerza de lo matérico.

La embriaguez de esta atmósfera aparece plasmada en dos potentes lienzos, completados por ocho series de ocho piezas cada una (Dionisos, Música, Ménades danzantes, Bacantes, Celebración, Sátiros ebrios, Copas, Uvas), que juntas conforman una unidad pero, de la misma manera, por sí mismas gozan de sentido pleno.

En el gran formato apreciamos un Hilario Bravo de lenguaje más personal, simbólico y críptico, pero sin perder la referencia de la naturaleza que le rodea. El añorado estío se muestra como protagonista indiscutible: el sol, el río, las ondas de agua, el chamizo que proporciona la ansiada sombra y, sobre todo, el potente y cálido naranja que armoniza sendos lienzos, son elementos que nos transportan a la canícula, en la que tenemos la excusa perfecta para arrojarnos a los brazos del dejar pasar, con sosiego y sin remordimiento.
En Tierra de Barros la sangre y el vino se convierten en uno, a modo de transfiguración pagana, en la que el jugo de la uva se manifiesta como hilo conductor de la catarsis, tan presente ahora como en la Grecia Clásica. No podemos obviar la presencia del chamizo, que recorre el lienzo longitudinalmente a modo de río matérico, con el que Hilario da un salto a la tridimensionalidad, en un esfuerzo por conectarnos con la naturaleza y lo telúrico.

En Icaria, lienzo que da nombre a la exposición, irrumpe con presencia el racimo de uvas, cargado de conceptos (ceremonia, rito, canto) de los que serán partícipes aquellos elegidos que beban del líquido que de él se extrae. Es la clave de la evasión, aquella que recogió sin igual el poeta simbolista Charles Baudelaire en sus Flores del mal: “Te llaman en auxilio de su aulladora fiebre./¡Oh Baco, que adormeces todas las inquietudes!”

Muy al contrario, las series de dibujos y collages, nos muestran un trazo más enérgico, transmisor de la libertad que proporciona el lápiz. Las líneas y las sombras del papel nos desvelan un Hilario más impulsivo, desinhibido y contundente, quizá imbuido por una libertad embriagadora. Estas series están organizadas de forma lineal, representando en cada una de ellas un momento significativo de la bacanal. Primero las Portadoras preparan el vino, al ritmo de La música, ambos representados de forma esquemática, algo matissiana, cuyos bosquejos se completan con elementos preciosos, dorados y plateados, propios de este ambiente de lujo y el placer. Mientras, las  Ménades, sensuales y dinámicas, continúan con el estilo anterior, cuyos  voluptuosos cuerpos son moldeados por esos papeles pegados.

De las Uvas se extrae el líquido del ritual dionisiaco. Y nuevamente aparece el fruto cargado de conceptos sensuales y placenteros, que una vez transformados en vino reposarán en las Copas. Copas convertidas en cálices paganos, receptores de su fuerza conceptual. Hilario Bravo ha elegido para sendas series el collage como medio expresivo, rápido y directo: papeles rasgados y colocados al azar en algunos ejemplos, mientras que en otros se vislumbra una meticulosa disposición, logrando en ambos casos un impactante y sensual efecto. Las Uvas, irónicas, sinceras y directas, casan a la perfección, como no podía ser de otra manera, con su natural receptor, del que los participantes en la bacanal deben beber.

¿Cómo y cuándo una estudiante de derecho decide ser pintora?

   Desde pequeña y apoyada por mi padre siempre pinté. Gané varios concursos infantiles de dibujo y pintura, y durante mi adolescencia me dedique a las caricaturas. Cuando llegué a la Universidad y propuse estudiar BBAA  mi madre no me dejo porque había que estudiar fuera de Zaragoza. Entonces propuse Arqueología y tampoco me dejaron porque  ”eso no daba para comer”. Podría haber propuesto Historia del Arte, pero eso solo me interesaba como base de conocimiento y yo lo que quería era crear.  Así que me encontré estudiando Derecho que si era una carrera perfecta para una “señorita de provincias de casa bien”. ¿Qué te parece? [ Me sonríe]

   En cualquier caso nunca deje de pintar y tanto mis hijos como José María, mi pareja, siempre me han apoyado.

¿Qué sentiste cuando no pasaste la prueba de ingreso en BBAA la primera vez?

   Comencé a  ir a una academia de dibujo porque me falta técnica. Mi profesor consideraba que tenía talento y me animó a estudiar BBAA. Cuando suspendía la prueba de ingreso mi mundo se vino abajo y piense “no está de Dios que yo me dedique a la pintura”. La verdad es que tuve que dibujar el Torso de Belvedere y se me caía del pedestal, fue un suspenso merecido.

   Al año siguiente me volvía a presentar. Cuando fui al examen pesen “tranquila y da lo mejor de ti, si no apruebas es que no tiene que ser” y aprobé.

¿Qué significa para ti la luz y el color?

   Esta pregunta es muy difícil. Para mí la luz y el color son la VIDA, esta es la respuesta más clara que puedo darte.

   La luz es algo físico y el color es solo una interpretación de nuestro cerebro. La luz nos muestra el mundo físico y el color nos ayuda a ver, reconocer y utilizar la realidad. Pienso que, el color, desde la antigüedad, ha sido considerado como una forma de corrupción del arte: algo superficial, no esencial; y se ha intentado depurar convirtiéndolo  en la propiedad de algo (lo oriental, lo infantil, lo femenino, lo vulgar o lo patológico….).

   Si la pintura es un lenguaje y el color es un elemento indispensable para la pintura, ¿por qué tanto menosprecio hacia él? Para Jacqueline Lichtenstein, el silencio que llega a provocar el color es señal de su poder y de su autonomía. Para mí, el silencio es una manera de mostrar respeto por aquello que nos lleva más allá del lenguaje. También es una muestra de temor,  porque establece tanto en el artista como en el espectador una relación turbulenta  cuando intentas expresarla.

   La polémica entre línea y color es antigua. La línea necesita del color para diferenciarse de otras manifestaciones artísticas como la arquitectura o la escultura, mientras que el color no necesita de la línea para manifestarse como hecho pictórico, es autónomo. Y es esa autonomía la que lleva a preguntarse a los grandes pintores de los años 60 por la muerte de la pintura y la muerte del arte.

   Yo no soy tan estricta y no creo que el arte haya muerto. Pienso que se produjo un cambio que vino de la mano del color, además de los nuevos materiales y técnicas pictóricas, provocando la ruptura con los cánones clásicos de pintura y de arte; y que como cualquier otro cambio en la vida fue aterrador tanto para artistas como para críticos y coleccionistas.

   En resumen, para mí,  el color es un elemento con entidad propia, autónomo, liberador, sin límites  e independiente y como diría Huxley es capaz de desarrollar la inteligencia emocional  de los espectadores. 

   Además, soy mediterránea y eso imprime carácter.

¿Qué artistas te inspiran?

   Goya y Saura, sin dudarlo, además los dos son aragoneses.

  André Malraux, afirmo que a partir de Goya “comenzaba la pintura moderna”. Mucho se ha escrito sobre Goya, yo solo diré que para mí es  el pintor de la libertad, audaz, inteligente, precursor de la modernidad, creador del esperpento trágico. Afirmó la imagen de la figura pintada en el terreno de la afectividad emocional, comprometido social y políticamente. Con una base técnica de la Escuela Española que ya nos gustaría tener a muchos de nosotros.

   En cuanto a Antonio Saura, para mí es un pintor con una absoluta clarividencia a la hora de establecer con su obra una correspondencia entre el arte y la vida. Establece una consideración psicológica en sus obras en igualdad de condiciones con los procesos técnicos. Es un pintor que mediante una técnica subjetiva produce una obra profundamente psicología, impactante y también aterradora. Me gusta e inquieta mucho su utilización de la figura femenina y su obsesión  por una idea de belleza casi obscena.

   En cuanto a pintores no españoles me gusta mucho Julie Mehretu, pintora etíope que combina pintura y dibujo para producir obras abstractas. También Matthew Ritchie que mediante frescos, cuadros y esculturas construye un universo utópico que se extiende en el tiempo y en el espacio. Utiliza muy bien el color y el trazo. Y otros como Anselm Kiefer o Kazuo Shiraga.

¿Qué sentiste en tu primera exposición y en la primera venta?

   Mi primera exposición fue peor que un parto. A parte de losnervios típicos cuando muestras una obra, me preocupaba que las piezas estuviesen bien terminadas y presentadas técnicamente porque es una responsabilidad tremenda que alguien pague por un cuadro y que al poco tiempo se rompa o estropee. Así que me pase los 20 días que duro la exposición soñando que la pintura se escurría de los soportes y que llegaba por la mañana y toda la pintura estaba en el suelo.  Fue terrorífico.

   Respecto a mi primera venta, fue en mi casa y estaba muy nerviosa porque yo no había “vendido” el cuadro, ellos me lo habían “comprado”. Fue una sensación rara porque ya no iba a “tocarlo” más.

¿En que estas trabajando actualmente?

   En la actualidad estoy en un período de reflexión, dándole vueltas a proyectos antiguos que nunca materialice y a alguna que otra cosa nueva, basadas como es habitual en mi, en la luz, el color y sus efectos.

  Autor: Noemí Tribaldos González

  Editorial: Cartoné

   Nº páginas: 302

   Precio: 15,81 € 

    Catálogo razonado de los fondos artísticos del Ayuntamiento de Badajoz. Abarca una interesante colección de dibujo, grabado, pintura mural, escultura y pintura. Es una fuente de información fundamental para entender el patrimonio de la ciudad. Este libro es fruto del trabajo de Doctorado de Noemí Tribaldos, actualmente directora de Arsviventia

Autor: David Freedberg

Editorial: Cátedra

Nº páginas: 504

Precio: 32,50 €

Mediante el análisis de una amplia gama de imágenes y tratados de estética, el autor estudia la respuesta humana ante las iconografías. Este libro está basado en material histórico tratando aspectos como la antropología, la filosofía y la investigación sociológica. El autor destaca que los artistas se centran en el aspecto intelectual dejando de lado las relaciones entre las imágenes y las personas.

Autor: Annie Cohen-Sola

Editorial: Turner

Nº Páginas: 640

Precio: 29,90 € 

Interesante exposición de la vida del galerista Leo Castelli vista desde los ojos de Annie Cohen-Sola que le conoció intimamente. Castelli fue el principal galerista de la Gran Manzana durante cuarenta años y gran defensor del pop-art, el minimalismo y el arte conceptual. Fue el descubridor de grandes genios como Andy Warhol, Jasper John, Jackson Pollock  y Roy Lichtenstein entre otros. Su vida llena de glamour y excesos queda reflejada en este libro ilustrado con fotografias inéditas.

¿Cuando comenzaron tus inquietudes artísticas y cuál es tu formación?

Creo que de pequeño, cuando los demás hacían barquitos de plastilina y palillos, yo hacía cosas poco o nada comprensibles, quizás eso ya era un exceso de imaginación llevada a la abstracción. Siempre he intentado que mi formación no fuera la desinformación, ya que me falta la formación en estudios oficiales

Háblanos de tu experiencia en la pintura.

He pasado por muchas fases artísticas pero creo que todas han estado marcadas por mi extrema pasión ante la vida, o como dijo el gran Cassady “El arte de Colo, reside en un desastre excelso, en un cúmulo de diminutas consecuencias y en una guerra interna”. La pintura siempre aporta a mi falta de palabras y mientras tenga cosas que decir ella siempre estará aquí, conmigo.

¿Cómo te defines como artista?

[Me mira, me sonríe y me da varias definiciones] “El artista es un individuo que ha desarrollado tanto su creatividad como la capacidad de comunicar lo sentido” Hay muchas definiciones [me dice] esta me gusta.

¿Qué podemos ver en FAIM?

A FAIM llevo las últimas series producidas en 2011 “Achtung” y “Mondo Lirondo”. Estas series reflejan mi inquietud sobre el futuro próximo, futuro que pasa por lo que nuestros hijos ven en nuestras actitudes presentes.

http://www.artefaim.net/inicio02.html

Os esperamos en la feria

Arsviventia acudirá a Estampa para contaros las novedades de este evento,una buena oportunidad para conocer las últimas tendencias de esta manifestación artística, sin duda es más accesible a la compra por su carácter de obra seriada, pero que mantiene viva, ahora más que nunca, la magia del arte.

Este año cuenta como artista invitado a Carlos Cruz Díez (Caracas, Venezuela, 1923), cabeza visible del arte cinético y óptico. Cruz-Díez se define principalmente como investigador, experimenta con el movimiento y con las interferencias de los colores, y se preocupa por los efectos que éste produce sobre el espectador. Su obra, que aparta por completo la figuración, pretende introducir al espectador en un mundo paralelo a través de tramas y juegos cromáticos que hacen partícipe al espectador de forma directa, pues su obra ensaya con el entorno; tiempo y espacio interactúan junto a su obra y le aportan significado.

Y junto a este artista invitado, contamos con diferentes secciones, además de los tradicionales expositores de galerías: ESTAMPA’11 ha continuado con su proyecto Tentaciones, dando a conocer en esta sección artistas emergentes del panorama español e internacional. También posee la zona Book-in, dedicada al “libro de artista”, una sección abierta a todos los que quieran participar siguiendo el reglamento.

En esta edición, la nueva dirección de Estampa ha optado por centrarse en el coleccionista -principal razón de ser de una feria- por lo que os animamos a acudir al IFEMA y dejaros seducir por las interesantes propuestas de obra gráfica que allí podemos encontrar.

Si os gusta la arquitectura del otro lado del charco, bien merece el paseo a  Caixaforum para empaparse de la exposición “Teotihuacán: Ciudad de los Dioses”(hasta el 13 de noviembre), que contiene una sección sobre “La construcción de la ciudad. Una metrópoli de 22,5 kilómetros cuadrados”, en la que se ilustra el desarrollo urbanístico de la ciudad mexicana, las características constructivas y los utensilios utilizados para construir  los principales edificios de su centro ceremonial, las pirámides de la Luna y del Sol.

Si en lugar de eso preferís adentraros en las profundidades del metro de Moscú, podéis acercaros al Centro Cultural La Elipa para contemplar una muestra sobre ese “Palacio subterráneo de Moscú” (hasta el 30 de octubre, Santa Felicidad, 39, Metro La Elipa).

El lado reivindicativo de la Semana de la Arquitectura lo concede el trabajo de Isabel Coixet y We Are Water Fundation, (C/José Abascal, 57, hasta el 21 de enero de 2012), a través de una exposición y documental titulados “Aral. El mar perdido”, un testimonio de la pérdida de un recurso hídrico de primer orden  a causa del ser humano. La exposición cuenta con visitas guiadas diarias.

También hay hueco para la arquitectura popular  en la exposición “Vitra, aprendiendo la arquitectura vernácula”, con una muestra de fotografías y maquetas que abordan este tipo de construcciones en todo el mundo (hasta el 25 de diciembre en la Arquería de Nuevos Ministerios, Paseo de la castellana 67).

Por último, no dejéis de visitar el homenaje realizado a Juan de Villanueva en la Biblioteca Nacional con motivo del segundo aniversario de su muerte, donde se muestran una serie de dibujos y planos del arquitecto neoclásico por excelencia (Biblioteca Nacional, Paseo de Recoletos, 20, octubre de 2011).

Esta es sólo una selección de las exposiciones que podéis visitar este otoño en Madrid. Si queréis más información sobre la Semana de la Arquitectura pinchad aquí.